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Non è proprio così, non se, come Jackson Pollock, crediamo che l’opera d’arte non sia solo ciò che vediamo in un museo ma anche l’intero processo introspettivo che vi è dietro.

Cerchi, linee e punti combattono per attirare l’attenzione dell’osservatore e convergono in modo ribelle e caotico. È come quando desiderate follemente di gridare, saltare, tirare pugni contro il muro, senza ragione, semplicemente per dare sfogo a qualcosa che vi divora dentro.

Pollock realizza quest’opera in una sorta di trance sciamanica detta “action painting”, in cui gira ossessivamente intorno alla tela stesa sul pavimento facendovi gocciolare sopra il colore con movimenti energici, senza una direzione, senza lasciare spazi vuoti.

Non è riconoscibile alcun nesso con la realtà esterna: l’opera nasce dalle pulsioni inconsce dell’artista che combatte, tramite il riempimento di un’enorme tela, un’altrettanta enorme e primitiva paura… quella del vuoto.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/26450115Thu, 30 Apr 2020 19:46:24 +0000eArsCONVERGENCE | JACKSON POLLOCK “Cosa ci vuole a scarabocchiare una tela con qualche colore? Potrebbe farlo anche un bambino!”. Non è proprio così, non se, come Jackson Pollock, crediamo che l’opera d’arte non sia solo ciò che vediamo in un museo ma...“Cosa ci vuole a scarabocchiare una tela con qualche colore? Potrebbe farlo anche un bambino!”.
Non è proprio così, non se, come Jackson Pollock, crediamo che l’opera d’arte non sia solo ciò che vediamo in un museo ma anche l’intero processo introspettivo che vi è dietro.

Cerchi, linee e punti combattono per attirare l’attenzione dell’osservatore e convergono in modo ribelle e caotico. È come quando desiderate follemente di gridare, saltare, tirare pugni contro il muro, senza ragione, semplicemente per dare sfogo a qualcosa che vi divora dentro.

Pollock realizza quest’opera in una sorta di trance sciamanica detta “action painting”, in cui gira ossessivamente intorno alla tela stesa sul pavimento facendovi gocciolare sopra il colore con movimenti energici, senza una direzione, senza lasciare spazi vuoti.

Non è riconoscibile alcun nesso con la realtà esterna: l’opera nasce dalle pulsioni inconsce dell’artista che combatte, tramite il riempimento di un’enorme tela, un’altrettanta enorme e primitiva paura… quella del vuoto.

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"Un diamante è per sempre, non è così?

‘For the Love of God’ è un teschio di platino, calco di un teschio reale -di cui mantiene i denti originali-, tempestato di queste pietre preziose. È così che i materiali impiegati, imperituri per eccellenza, trasformano il simbolo macabro della fine nel suo esatto opposto: un’immagine di immortalità.

La morte è sconfitta dall’arte, in grado di creare oggetti eterni.

Eppure, questi stessi elementi di cui è composto fanno assomigliare il teschio ad un vero e proprio oggetto di lusso, a un bene d’investimento, piuttosto che ad una scultura. Questo è un aspetto tipico del lavoro di Damien Hirst: la mercificazione dell’opera d’arte, che in un certo senso rappresenta il suo stesso declino.

Di cosa parliamo dunque, di morte dell’arte o del trionfo dell’arte sulla morte?"

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/21453180Tue, 07 Jan 2020 23:49:23 +0000eArsDamien Hirst | For the Love of God "Un diamante è per sempre, non è così? ‘For the Love of God’ è un teschio di platino, calco di un teschio reale -di cui mantiene i denti originali-, tempestato di queste pietre preziose. È così che i materiali...
"Un diamante è per sempre, non è così?

‘For the Love of God’ è un teschio di platino, calco di un teschio reale -di cui mantiene i denti originali-, tempestato di queste pietre preziose. È così che i materiali impiegati, imperituri per eccellenza, trasformano il simbolo macabro della fine nel suo esatto opposto: un’immagine di immortalità.

La morte è sconfitta dall’arte, in grado di creare oggetti eterni.

Eppure, questi stessi elementi di cui è composto fanno assomigliare il teschio ad un vero e proprio oggetto di lusso, a un bene d’investimento, piuttosto che ad una scultura. Questo è un aspetto tipico del lavoro di Damien Hirst: la mercificazione dell’opera d’arte, che in un certo senso rappresenta il suo stesso declino.

Di cosa parliamo dunque, di morte dell’arte o del trionfo dell’arte sulla morte?"

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Quante volte la vita ci trattiene?
I doveri, la necessità di stabilità, il lavoro spesso ci obbligano ad indossare un’armatura che non ci rappresenta, dentro la quale la nostra indole creativa non trova le fessure necessarie per uscire fuori, con la sua vera potenza.

Non avete mai provato quella sensazione di sentirvi un mondo dentro, dove il vostro spirito è libero di percorrere tragitti impossibili e capace di visioni straordinarie?

Silvia Bosio condensa questa forza generativa nel pennello e trasporta questo mondo sulla tela. Le opere, che nascono sempre da un gesto istintivo, dall’impulso irrefrenabile che la spinge a dipingere, ci rivelano l’anima della pittrice e, più ampiamente, la necessità di esprimersi senza vincoli insita in ognuno di noi.

La tecnica pittorica - fatta di gesti energici, disinvolti - sembra davvero l’immagine di un animo travolgente, che divelle l’armatura, sotto cui si nascondeva, per prendere libero il volo.

Spesso l’apparenza inganna, spesso l’arte rivela.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/19541091Wed, 16 Oct 2019 22:10:47 +0000eArsLa bellezza della forza e della fragilità Quante volte la vita ci trattiene? I doveri, la necessità di stabilità, il lavoro spesso ci obbligano ad indossare un’armatura che non ci rappresenta, dentro la quale la nostra indole creativa non trova le...
Quante volte la vita ci trattiene?
I doveri, la necessità di stabilità, il lavoro spesso ci obbligano ad indossare un’armatura che non ci rappresenta, dentro la quale la nostra indole creativa non trova le fessure necessarie per uscire fuori, con la sua vera potenza.

Non avete mai provato quella sensazione di sentirvi un mondo dentro, dove il vostro spirito è libero di percorrere tragitti impossibili e capace di visioni straordinarie?

Silvia Bosio condensa questa forza generativa nel pennello e trasporta questo mondo sulla tela. Le opere, che nascono sempre da un gesto istintivo, dall’impulso irrefrenabile che la spinge a dipingere, ci rivelano l’anima della pittrice e, più ampiamente, la necessità di esprimersi senza vincoli insita in ognuno di noi.

La tecnica pittorica - fatta di gesti energici, disinvolti - sembra davvero l’immagine di un animo travolgente, che divelle l’armatura, sotto cui si nascondeva, per prendere libero il volo.

Spesso l’apparenza inganna, spesso l’arte rivela.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>73cleanfullhttps://www.spreaker.com/episode/il-terzo-paradiso-michelangelo-pistoletto--18714545
Si potrebbe definire l’artista come la persona che lavora attraverso i simboli?
In effetti in moltissimi casi gli artisti cercano di riprodurre quelli che sono i segni distintivi della loro epoca.
Altre volte, invece, capita che sia l’artista stesso a creare un nuovo simbolo.
Nato dalla raffigurazione del simbolo dell’infinito, l’otto rovesciato, a cui si aggiunge un terzo cerchio nel centro, il ‘Terzo Paradiso’ è dal 2003 il tentativo di Michelangelo Pistoletto di dar vita ad un nuovo emblema universale.
Rappresenta l’armonia, meglio ancora, la sintesi degli opposti. Un messaggio che negli anni si è diffuso attraverso mostre, performance collettive, grandi installazioni a cielo aperto: non soltanto un’opera, ma un vero e proprio manifesto culturale.
Così il Terzo Paradiso ha compiuto, e compie tutt’oggi, il giro di un Mondo che, lacerato da conflitti, disparità e diffidenza nei confronti del diverso, è in costante bisogno di ricordare l’urgenza di una nuova, pacifica unione.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/18714545Sat, 03 Aug 2019 13:10:34 +0000eArsIl Terzo Paradiso | Michelangelo Pistoletto Si potrebbe definire l’artista come la persona che lavora attraverso i simboli? In effetti in moltissimi casi gli artisti cercano di riprodurre quelli che sono i segni distintivi della loro epoca. Altre...
Si potrebbe definire l’artista come la persona che lavora attraverso i simboli?
In effetti in moltissimi casi gli artisti cercano di riprodurre quelli che sono i segni distintivi della loro epoca.
Altre volte, invece, capita che sia l’artista stesso a creare un nuovo simbolo.
Nato dalla raffigurazione del simbolo dell’infinito, l’otto rovesciato, a cui si aggiunge un terzo cerchio nel centro, il ‘Terzo Paradiso’ è dal 2003 il tentativo di Michelangelo Pistoletto di dar vita ad un nuovo emblema universale.
Rappresenta l’armonia, meglio ancora, la sintesi degli opposti. Un messaggio che negli anni si è diffuso attraverso mostre, performance collettive, grandi installazioni a cielo aperto: non soltanto un’opera, ma un vero e proprio manifesto culturale.
Così il Terzo Paradiso ha compiuto, e compie tutt’oggi, il giro di un Mondo che, lacerato da conflitti, disparità e diffidenza nei confronti del diverso, è in costante bisogno di ricordare l’urgenza di una nuova, pacifica unione.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>69cleanfullhttps://www.spreaker.com/episode/carne-y-arena-alejandro-gonzalez-inarritu--18687216
Adesso che vi siete tolti le scarpe, potete toccarla con la pianta dei vostri piedi.
È sabbia, non quella morbida e riscaldata dal sole cui siamo abituati. È una breccia gelida, ruvida come l’impresa che affronterete in prima persona, fianco a fianco con un gruppo di rifugiati per tentare di attraversare il confine tra Messico e Stati Uniti.
Parliamo di “Carne y Arena”, letteralmente “Carne e Sabbia”, l’installazione in realtà virtuale di Alejandro González Iñárritu presentata alla Fondazione Prada di Milano.
Il regista si affida alla Virtual Reality non a caso: l’intento è quello di superare il concetto del visitatore che osserva a distanza, tranquillo nella sua comfort zone; Iñárritu non vuole solo raccontare le paure dei migranti, ma vuole catapultare il pubblico nei pericoli che questa gente vive per giorni, come lui stesso afferma “per vivere un’esperienza diretta nei panni degli immigrati, sotto la loro pelle e dentro i loro cuori”.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/18687216Wed, 31 Jul 2019 18:58:13 +0000eArsCarne y Arena | Alejandro González Iñárritu Adesso che vi siete tolti le scarpe, potete toccarla con la pianta dei vostri piedi. È sabbia, non quella morbida e riscaldata dal sole cui siamo abituati. È una breccia gelida, ruvida come l’impresa che...
Adesso che vi siete tolti le scarpe, potete toccarla con la pianta dei vostri piedi.
È sabbia, non quella morbida e riscaldata dal sole cui siamo abituati. È una breccia gelida, ruvida come l’impresa che affronterete in prima persona, fianco a fianco con un gruppo di rifugiati per tentare di attraversare il confine tra Messico e Stati Uniti.
Parliamo di “Carne y Arena”, letteralmente “Carne e Sabbia”, l’installazione in realtà virtuale di Alejandro González Iñárritu presentata alla Fondazione Prada di Milano.
Il regista si affida alla Virtual Reality non a caso: l’intento è quello di superare il concetto del visitatore che osserva a distanza, tranquillo nella sua comfort zone; Iñárritu non vuole solo raccontare le paure dei migranti, ma vuole catapultare il pubblico nei pericoli che questa gente vive per giorni, come lui stesso afferma “per vivere un’esperienza diretta nei panni degli immigrati, sotto la loro pelle e dentro i loro cuori”.

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Spesso l’obiettivo di un’opera d’arte è quello di far riflettere chi la osserva.
E se potessimo prendere letteralmente quella riflessione con le nostre mani, infilarla nello zaino e riportarla a casa?
È il caso dell’opera “Chiaroscuro”, dell’artista Alfredo Jaar, che consiste nell’esposizione di poster verdi e rossi, nei quali si legge una citazione di Antonio Gramsci; questi poster sono stati messi a libera disposizione del visitatore all’interno delle sale del Museo Maxxi di Roma, ma non solo: sono stati anche affissi per le strade della città come una vera campagna pubblicitaria.
Attraverso la combinazione di due elementi: denuncia e poesia, il lavoro dell’artista cileno non vuole portarci soltanto alla riflessione, ma ad un’identificazione che avviene con la partecipazione attiva.
Che potenza ha il nostro coinvolgimento? L’arte non ci sembra più reale così?

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/18221463Sun, 09 Jun 2019 21:45:01 +0000eArsChiaroscuro | Alfredo Jaar Spesso l’obiettivo di un’opera d’arte è quello di far riflettere chi la osserva. E se potessimo prendere letteralmente quella riflessione con le nostre mani, infilarla nello zaino e riportarla a casa? È il caso dell’opera...
Spesso l’obiettivo di un’opera d’arte è quello di far riflettere chi la osserva.
E se potessimo prendere letteralmente quella riflessione con le nostre mani, infilarla nello zaino e riportarla a casa?
È il caso dell’opera “Chiaroscuro”, dell’artista Alfredo Jaar, che consiste nell’esposizione di poster verdi e rossi, nei quali si legge una citazione di Antonio Gramsci; questi poster sono stati messi a libera disposizione del visitatore all’interno delle sale del Museo Maxxi di Roma, ma non solo: sono stati anche affissi per le strade della città come una vera campagna pubblicitaria.
Attraverso la combinazione di due elementi: denuncia e poesia, il lavoro dell’artista cileno non vuole portarci soltanto alla riflessione, ma ad un’identificazione che avviene con la partecipazione attiva.
Che potenza ha il nostro coinvolgimento? L’arte non ci sembra più reale così?

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Una bambina tende la mano verso un palloncino rosso a forma di cuore portato via dal vento: sta cercando di raggiungerlo o lo sta lasciando andare?
Sullo sfondo, una breve frase sbiadita. “There’s always hope”,"C'è sempre speranza".
Banksy, anticonformista street artist dall’identità sconosciuta, con questo murales crea una metafora in cui ogni persona, ciascuna con la propria esperienza, ma soprattutto chi ha attraversato momenti di intensa sofferenza, è in grado di riconoscersi: quando tutto sembra essere perduto, c'è sempre un barlume di speranza che ti spinge oltre, qualcosa di bello, ma fragile, come un palloncino.
Questa immagine semplice e tenera è stata protagonista di numerose campagne sociali, da quella contro la costruzione del muro tra Israele e Palestina nel 2002 a quella a sostegno dei rifugiati siriani nel 2014.
In un mondo pieno di violenza e corruzione, i bambini sono l’unica speranza nel futuro.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/17852721Mon, 06 May 2019 21:06:17 +0000eArsGirl with balloon | Banksy Una bambina tende la mano verso un palloncino rosso a forma di cuore portato via dal vento: sta cercando di raggiungerlo o lo sta lasciando andare? Sullo sfondo, una breve frase sbiadita. “There’s always hope”,"C'è sempre...
Una bambina tende la mano verso un palloncino rosso a forma di cuore portato via dal vento: sta cercando di raggiungerlo o lo sta lasciando andare?
Sullo sfondo, una breve frase sbiadita. “There’s always hope”,"C'è sempre speranza".
Banksy, anticonformista street artist dall’identità sconosciuta, con questo murales crea una metafora in cui ogni persona, ciascuna con la propria esperienza, ma soprattutto chi ha attraversato momenti di intensa sofferenza, è in grado di riconoscersi: quando tutto sembra essere perduto, c'è sempre un barlume di speranza che ti spinge oltre, qualcosa di bello, ma fragile, come un palloncino.
Questa immagine semplice e tenera è stata protagonista di numerose campagne sociali, da quella contro la costruzione del muro tra Israele e Palestina nel 2002 a quella a sostegno dei rifugiati siriani nel 2014.
In un mondo pieno di violenza e corruzione, i bambini sono l’unica speranza nel futuro.

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Centinaia di biciclette, una attaccata all’altra, si elevano a formare una scultura massiccia che sfiora il soffitto formando un labirinto di gomme e telai… è questo ciò che vedrete attraversando “Forever Bicycles” di Ai Weiwei.
Questa installazione ci aiuta a riflettere sulla Cina di oggi: per l’artista pechinese la bicicletta è un oggetto importante che sposta ogni giorno milioni di lavoratori, è il simbolo della trasformazione della Cina da Paese arretrato, in cui la bicicletta era un bene di lusso, a Paese leader nella produzione di massa.
Eppure in quest’opera la bicicletta, che nell’immaginario di tutti noi rappresenta la libertà e il movimento, è immobile e senza pedali…non c’è anche per voi qualcosa che non torna?
Ai Weiwei ha trasformato questo oggetto in una gabbia colossale e inamovibile, forse lo specchio di ciò che significa vivere nella più grande dittatura del mondo odierno.

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Centinaia di biciclette, una attaccata all’altra, si elevano a formare una scultura massiccia che sfiora il soffitto formando un labirinto di gomme e telai… è questo ciò che vedrete attraversando “Forever Bicycles” di Ai Weiwei.
Questa installazione ci aiuta a riflettere sulla Cina di oggi: per l’artista pechinese la bicicletta è un oggetto importante che sposta ogni giorno milioni di lavoratori, è il simbolo della trasformazione della Cina da Paese arretrato, in cui la bicicletta era un bene di lusso, a Paese leader nella produzione di massa.
Eppure in quest’opera la bicicletta, che nell’immaginario di tutti noi rappresenta la libertà e il movimento, è immobile e senza pedali…non c’è anche per voi qualcosa che non torna?
Ai Weiwei ha trasformato questo oggetto in una gabbia colossale e inamovibile, forse lo specchio di ciò che significa vivere nella più grande dittatura del mondo odierno.

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Adesso dico una frase che vi metterà a dura prova.
La ‘Fontana’ di Marchel Duchamp è una delle opere d’arte più importanti del XX secolo.
Siete ancora in ascolto? Bene, vi devo una spiegazione.
Quando nel 1917 l’opera ‘Fontana’ è proposta per una mostra negli USA, è la prima volta che si cerca di esporre pubblicamente un ready-made: un oggetto così com’è. Non una scultura che riproduce un orinatoio, ma un orinatoio vero e proprio!
L’importanza di questo gesto è cruciale per l’arte che verrà: nel secolo in cui sono le macchine a creare -con una tecnica impeccabile-, Duchamp capisce che l’azione dell’artista non ha il suo fulcro nell’abilità manuale ma in un atto intellettuale, nella capacità di far riflettere e porre delle domande.
Da lì in poi non si guarderà più all’artista come al mero creatore di un bell’oggetto, ma come a un attivatore del pensiero.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/17791435Tue, 30 Apr 2019 09:11:22 +0000eArsFontana | Marcel Duchamp Adesso dico una frase che vi metterà a dura prova. La ‘Fontana’ di Marchel Duchamp è una delle opere d’arte più importanti del XX secolo. Siete ancora in ascolto? Bene, vi devo una spiegazione. Quando nel 1917 l’opera...
Adesso dico una frase che vi metterà a dura prova.
La ‘Fontana’ di Marchel Duchamp è una delle opere d’arte più importanti del XX secolo.
Siete ancora in ascolto? Bene, vi devo una spiegazione.
Quando nel 1917 l’opera ‘Fontana’ è proposta per una mostra negli USA, è la prima volta che si cerca di esporre pubblicamente un ready-made: un oggetto così com’è. Non una scultura che riproduce un orinatoio, ma un orinatoio vero e proprio!
L’importanza di questo gesto è cruciale per l’arte che verrà: nel secolo in cui sono le macchine a creare -con una tecnica impeccabile-, Duchamp capisce che l’azione dell’artista non ha il suo fulcro nell’abilità manuale ma in un atto intellettuale, nella capacità di far riflettere e porre delle domande.
Da lì in poi non si guarderà più all’artista come al mero creatore di un bell’oggetto, ma come a un attivatore del pensiero.

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Chiudete gli occhi per un attimo: siete a New York, Times Square, circondati dai grattacieli.
Sulle loro facciate le immagini accattivanti dei grossi pannelli pubblicitari continuano a cambiare. Ad un tratto, tra i tanti cartelloni, davanti agli occhi vi se ne para uno la cui scritta al LED recita “Proteggimi da ciò che voglio”.
Si tratta della gigantesca installazione pubblica di Jenny Holzer, l’artista americana famosa per i suoi Truism, frasi che esprimono verità assolute, verità che l’artista decide di veicolare utilizzando i mezzi pubblicitari di massa.
Così, con una semplice frase, uno strumento di comunicazione legato al consumo è
sovvertito e reso politico. Come tutti gli slogan ci induce a fare qualcosa, soltanto che stavolta, invece di istigarci all’acquisto dell’ennesimo prodotto, ci chiede una presa di coscienza: quali sono i vostri desideri da cui vorreste essere protetti?

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Chiudete gli occhi per un attimo: siete a New York, Times Square, circondati dai grattacieli.
Sulle loro facciate le immagini accattivanti dei grossi pannelli pubblicitari continuano a cambiare. Ad un tratto, tra i tanti cartelloni, davanti agli occhi vi se ne para uno la cui scritta al LED recita “Proteggimi da ciò che voglio”.
Si tratta della gigantesca installazione pubblica di Jenny Holzer, l’artista americana famosa per i suoi Truism, frasi che esprimono verità assolute, verità che l’artista decide di veicolare utilizzando i mezzi pubblicitari di massa.
Così, con una semplice frase, uno strumento di comunicazione legato al consumo è
sovvertito e reso politico. Come tutti gli slogan ci induce a fare qualcosa, soltanto che stavolta, invece di istigarci all’acquisto dell’ennesimo prodotto, ci chiede una presa di coscienza: quali sono i vostri desideri da cui vorreste essere protetti?

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Di fronte ad un lavoro di Donald Judd non dovreste sentirvi imbarazzati a chiedervi:
è una scultura quella che ho davanti o sono soltanto dei piedistalli? Sono sei opere distinte o soltanto una?
Immaginate adesso di porvi questi dubbi tra gli anni Sessanta e Settanta, quando negli USA si diffuse l’arte Minimal. Fino ad allora, la scultura era sempre stata la rappresentazione di qualcos’altro (un corpo, un volto, un animale) che a sua volta potesse rinviare ad un altro concetto: ad esempio, il leone era simbolo di potere.
Qui invece l’opera si riduce ad una singola forma molto semplice. Ma perché? A quale concetto vuole riferirsi? La risposta è altrettanto semplice: a nient’altro che a se stessa.
Liberati da ogni influenza, a questo punto non ci resta che contemplare la nettezza di ciò che abbiamo di fronte: forma e concetto allo stato puro.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/17061224Sat, 16 Feb 2019 14:39:16 +0000eArsUntitled (Six boxes) | Donald Judd Di fronte ad un lavoro di Donald Judd non dovreste sentirvi imbarazzati a chiedervi: è una scultura quella che ho davanti o sono soltanto dei piedistalli? Sono sei opere distinte o soltanto una? Immaginate adesso...
Di fronte ad un lavoro di Donald Judd non dovreste sentirvi imbarazzati a chiedervi:
è una scultura quella che ho davanti o sono soltanto dei piedistalli? Sono sei opere distinte o soltanto una?
Immaginate adesso di porvi questi dubbi tra gli anni Sessanta e Settanta, quando negli USA si diffuse l’arte Minimal. Fino ad allora, la scultura era sempre stata la rappresentazione di qualcos’altro (un corpo, un volto, un animale) che a sua volta potesse rinviare ad un altro concetto: ad esempio, il leone era simbolo di potere.
Qui invece l’opera si riduce ad una singola forma molto semplice. Ma perché? A quale concetto vuole riferirsi? La risposta è altrettanto semplice: a nient’altro che a se stessa.
Liberati da ogni influenza, a questo punto non ci resta che contemplare la nettezza di ciò che abbiamo di fronte: forma e concetto allo stato puro.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>61arte,earscleanfullhttps://www.spreaker.com/episode/obliteration-room-yayoi-kusama--16938392
Tutto è cominciato imbiancando un’intera stanza della Queensland Gallery: ogni muro, ogni elemento d’arredamento è stato reso uno sfondo neutrale. Ma invece di dipingere su questa grande tela bianca, Yayoi Kusama ha lasciato che tantissimi bambini attaccassero ovunque migliaia di adesivi tondi colorati, in totale libertà.
Dimenticatevi della tipica restrizione dei musei: “Guardare ma non toccare!”.
Quest’operazione trasformativa ha visto, adesivo dopo adesivo, la cancellazione letterale di quella che era l’ambientazione di partenza: dove ci troviamo? In un salotto o in un parco giochi? Non sarà semplice capirlo una volta dentro ‘Obliteration room’.
Kusama celebra, così, la spontaneità e la creatività dell’infanzia, un periodo per lei traumatico e sofferto, insegnandoci che forse a volte per eliminare un dolore, invece di usare una gomma da cancellare si possono usare…degli adesivi tondi colorati.

Diventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/ears-arte--3311755/support.]]>https://api.spreaker.com/episode/16938392Sun, 03 Feb 2019 16:39:18 +0000eArsObliteration Room | Yayoi Kusama Tutto è cominciato imbiancando un’intera stanza della Queensland Gallery: ogni muro, ogni elemento d’arredamento è stato reso uno sfondo neutrale. Ma invece di dipingere su questa grande tela bianca, Yayoi Kusama ha...
Tutto è cominciato imbiancando un’intera stanza della Queensland Gallery: ogni muro, ogni elemento d’arredamento è stato reso uno sfondo neutrale. Ma invece di dipingere su questa grande tela bianca, Yayoi Kusama ha lasciato che tantissimi bambini attaccassero ovunque migliaia di adesivi tondi colorati, in totale libertà.
Dimenticatevi della tipica restrizione dei musei: “Guardare ma non toccare!”.
Quest’operazione trasformativa ha visto, adesivo dopo adesivo, la cancellazione letterale di quella che era l’ambientazione di partenza: dove ci troviamo? In un salotto o in un parco giochi? Non sarà semplice capirlo una volta dentro ‘Obliteration room’.
Kusama celebra, così, la spontaneità e la creatività dell’infanzia, un periodo per lei traumatico e sofferto, insegnandoci che forse a volte per eliminare un dolore, invece di usare una gomma da cancellare si possono usare…degli adesivi tondi colorati.

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In principio non doveva essere così. Avrebbe dovuto essere una cosa ordinaria, un monumento ai caduti di guerra, uno di quelli grandi al centro delle piazze.
Ma a volte l'arte nasce dal saper dire di no, dal ribaltare le situazioni e i punti di vista.
È così che nel 1981, nel paese di Ulassai, Maria Lai dà vita a ‘Legarsi Alla Montagna’, una delle prime opere d'arte relazionale di fama internazionale.
Da monumento per i caduti ad opera d'arte per i vivi.
Partendo da una leggenda locale e coinvolgendo tutti gli abitanti di Ulassai, l'artista lega insieme, con 27 km di nastro di stoffa celeste, le porte, le vie, le case del paese fino ad arrivare allo stesso Monte Gedili, che sovrasta il piccolo comune sardo. Una metafora poetica dei rapporti che legano le persone tra di loro, alle loro origini, al loro paese e alla natura che li circonda.

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In principio non doveva essere così. Avrebbe dovuto essere una cosa ordinaria, un monumento ai caduti di guerra, uno di quelli grandi al centro delle piazze.
Ma a volte l'arte nasce dal saper dire di no, dal ribaltare le situazioni e i punti di vista.
È così che nel 1981, nel paese di Ulassai, Maria Lai dà vita a ‘Legarsi Alla Montagna’, una delle prime opere d'arte relazionale di fama internazionale.
Da monumento per i caduti ad opera d'arte per i vivi.
Partendo da una leggenda locale e coinvolgendo tutti gli abitanti di Ulassai, l'artista lega insieme, con 27 km di nastro di stoffa celeste, le porte, le vie, le case del paese fino ad arrivare allo stesso Monte Gedili, che sovrasta il piccolo comune sardo. Una metafora poetica dei rapporti che legano le persone tra di loro, alle loro origini, al loro paese e alla natura che li circonda.

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